Bernd Richard Deutsch: Urworte

Details: Geschrieben von: Claus Friede und Thomas May - Mittwoch, 11. November 2026 um 08:00 Uhr

Franz Welser-Möst (Mitte) und Bernd Richard Deutsch (rechts) danken Lisa Wong. Foto: Julian Dubé

Das Cleveland Orchestra und sein Musikdirektor Franz Welser-Möst veröffentlichen – zeitgleich mit der Europatournee des Orchesters – eine Aufnahme von Bernd Richard Deutschs monumentaler Komposition „Urworte“.

Die Aufnahme entstand live während der Eröffnungskonzerte der Saison 2025/26 des Cleveland Orchestra im Severance Music Center und dokumentiert die nordamerikanische Uraufführung des einstündigen Werks „Urworte“ – einer mitreißenden Meditation, inspiriert von Johann Wolfgang von Goethes zeitlosen „Urwörtern“. Das Werk erkundet Themen wie Schicksal, Liebe, Notwendigkeit, Zufall und Hoffnung mithilfe von Orchester und Chor.

Severance Hall F Erik Drost

^{Severance Hall, Cleveland, Foto Erik Drost. Lizenz: CC BY 2.0}

Welser-Möst dirigierte das Cleveland Orchestra und den Cleveland Orchestra Chorus, der von Chorleiterin Lisa Wong vorbereitet wurde. Die Aufnahme zeigt die für das Orchester charakteristische Präzision in einer facettenreichen zeitgenössischen Partitur von außergewöhnlichem Ausmaß und emotionaler Kraft.

„Urworte“ setzt eine bedeutende künstlerische Partnerschaft zwischen dem Cleveland Orchestra und Deutsch fort. Aus ihrer Zusammenarbeit gingen zuvor bereits „Okeanos“ und „Intensity“ hervor, die auf „Signature Welser-Möst“ zu finden sind – einem limitierten 15-Platten-Vinyl-Box-Set, das die 25. und letzte Saison des Dirigenten als Musikdirektor des Orchesters feiert. Deutsch wurde zur Komposition von „Intensity“ inspiriert, nachdem er das Cleveland Orchestra bei einem reinen Beethoven-Programm in Wien gehört hatte, was das Stück zu einer passenden Ergänzung für ihre gemeinsame letzte Europatournee im Oktober dieses Jahres macht.

Die Aufnahme „Urworte“ wurde von der siebenmaligen Grammy-Preisträgerin Elaine Martone produziert. Das Album ist die vierte Veröffentlichung des Cleveland Orchestra im Jahr 2026, nach „Allison Loggins-Hull: The Cleveland Residency“ im April, Galina Ustvolskayas „Sinfonie Nr. 5“ und Francis Poulencs „La voix humaine“ im Juli sowie Giuseppe Verdis „Requiem“ im August. Es ist zudem die 21. Veröffentlichung auf dem eigenen Plattenlabel des Cleveland Orchestra seit dessen Gründung im Jahr 2020.

„Urworte“ (Text: Bernd Richard Deutsch)

Meiner Ansicht nach umfassen Goethes fünf „Urworte“ eine Art „Schicksalslied“. Ich hatte schon lange den Wunsch, ein Stück über die Urkräfte zu schreiben, die unser Leben prägen, und als ich auf diesen Zyklus von fünf Gedichten stieß, wurde mir klar, dass die Gedanken, die ich zum Ausdruck bringen wollte, dort auf vorbildliche Weise formuliert waren. Diese fünf Strophen decken die gesamte Spanne eines Menschenlebens ab: von der Kindheit über die Jugend und das frühe sowie mittlere Erwachsenenalter bis hin zum Alter.

Es besteht ein starker Kontrast zwischen antiken und modernen Vorstellungen vom Schicksal. In der griechischen Mythologie scheinen die Menschen den Göttern hilflos ausgeliefert zu sein – man denke an Ödipus, der das Orakel trotz aller Versuche, sich zu widersetzen, erfüllt. Sich dem Schicksal zu widersetzen ist vergeblich, denn größere Kräfte setzen sich durch. Das moderne, aufgeklärte Denken hingegen konzentriert sich auf das Individuum und auf die Gestaltung des eigenen Schicksals, eine Sichtweise, die zu großen Fortschritten und revolutionären Veränderungen geführt hat. Doch das letzte Wort ist noch nicht gesprochen, und es besteht immer die Gefahr, durch Hybris zu scheitern.

Für Goethe war der Daimon (Dämon) ein äußerst wichtiger Begriff. Er ist eine Kraft, die den Menschen antreibt: Charakter, Talent, das gewisse Etwas, Charisma; er steht für ein schwer fassbares und zugleich greifbares Wesen. Für Goethe als Dichter ist der Daimon vor allem die Kraft, die einen Künstler kreativ antreibt und ihn oder sie einzigartig macht. Ein zentrales Thema des Stücks ist die Frage: Gibt es Freiheit und, wenn ja, worin besteht sie?

Das Paar Daimon und Tyche (das Zufällige) veranschaulicht den Kontrast zwischen zwei Prinzipien: der genetischen Veranlagung und den Umwelteinflüssen. Beide sind entscheidend. Ein Schlüsselsatz im Tyche-Gedicht lautet: „Die Lampe wartet auf die Flamme, die sie entzünden wird.“ Für mich ist dies einer der wichtigsten Gedanken im gesamten Zyklus.

Kein anderer Satz wird in meiner Komposition so häufig wiederholt und musikalisch beleuchtet. Eros (Liebe) folgt unmittelbar darauf und entfacht diese Flamme: nicht nur die Liebe, sondern auch eine weitere zentrale Triebkraft im kreativen Schaffen.

Ananke (Notwendigkeit) verkörpert Zwang und Einschränkung. Sie kann sogar bewirken, dass „der Geliebteste aus dem Herzen verbannt wird“, und unsere vermeintliche Freiheit erweist sich letztlich als Illusion.

Elpis (Hoffnung) ist, wie das Schicksal, unzerstörbar und, wie Daimon, Tyche und Eros, eine Kraft, die uns antreibt. Sie beflügelt und inspiriert uns. Die letzte Zeile – „Ein Flügelschlag! Und hinter uns liegen die Äonen“ – deutet sowohl auf Unsterblichkeit als auch auf die universelle Gültigkeit der fünf Prinzipien über alle Zeitalter hinweg hin.

„Urworte“ (Text: Thomas May)

Komponisten legen Ideen, die ihnen in einem Geistesblitz einfallen, oft beiseite und warten, bis der richtige Moment gekommen ist, um sie im Detail auszuarbeiten und ihnen eine dauerhafte Form zu geben. Für Bernd Richard Deutsch war eine solche Idee, ein Werk zu schreiben, das die elementaren Kräfte erforscht, die unser Leben prägen. Franz Welser-Möst bot den Anlass, als er eine Partitur für das Cleveland Orchestra und den Chor in Auftrag gab und Deutsch freie Hand ließ, jedes beliebige Thema zu wählen. Das Publikum in Cleveland kannte den österreichischen Komponisten bereits aus seiner Zeit als Daniel-R.-Lewis-Composer-Fellow des Orchesters von 2018 bis 2021, in der sein Orgelkonzert „Okeanos“ aufgeführt wurde und die Weltpremiere von „Intensity“ stattfand (beide wurden 2022 bzw. 2023 vom Orchester aufgeführt).

Deutsch suchte nach einem Text, der eine solche Weite und Universalität in sich trage und dennoch prägnant genug sei, um in der Musik nachzuklingen, ohne sie zu überwältigen. Er fand ihn in „Urworte. Orphisch“ (Urworte: Orphisch), einem Zyklus aus fünf Gedichten, den Johann Wolfgang von Goethe relativ spät in seinem Schaffen verfasste. Deutsch erkannte, dass sich der Zyklus nahtlos für eine fünfteilige Form eignete: Jedes Gedicht schafft eine kontrastierende Stimmung und Atmosphäre, während Goethe den Bogen eines Menschenlebens spannt. Zusammengenommen bilden die fünf Gedichte jedoch ein zusammenhängendes Ganzes, das am Anfang und am Ende von einer kosmischen Perspektive eingerahmt wird.

Dabei stellte sich Deutsch Fragen, die heute noch genauso aktuell sind wie zu Goethes Zeiten. „In ‚Urworte‘ spricht Goethe über die Kräfte, die unser aller Leben beeinflussen. Er tut dies, indem er die gesamte Lebensspanne eines Menschen betrachtet und mit dem Begriff der Hoffnung abschließt“, erklärt Deutsch.

Goethe schrieb diese rätselhaften, achtzeiligen Strophen im Herbst 1817 und gab jeder einen Untertitel, der ihr jeweiliges „Urwort“ benennt: Daimon („Dämon“, bezogen auf das angeborene Wesen oder Genie eines Individuums), Tyche („Zufall“ oder „das Zufällige“), Eros („Liebe“ oder „Leidenschaft“), Ananke („Notwendigkeit“ oder „Begrenzung“) und Elpis („Hoffnung“). Die ersten vier Begriffe stammen aus einer spätklassischen römischen Quelle, in der griechische Begriffe für Gottheiten aufgeführt sind, die über die Geburt herrschen. Goethes eigene Erfindung bestand darin, mit dem zukunftsweisenden Begriff der Hoffnung abzuschließen (der in der antiken Quelle nicht vorkommt).

Der vollständige Titel, „Urworte. Orphisch“, erinnert an die antike Tradition der Dichtung, die dem mythischen Sänger Orpheus zugeschrieben wird – Texte, die sich mit Weisheit, Schöpfung und den ordnenden Kräften des Kosmos befassen. Indem er sich auf diese Bezeichnung berief, deutete Goethe an, dass seine fünf „Urworte“ zeitlose Formeln des Schicksals und der Existenz sind, destilliert für ein modernes Zeitalter.

Um diesen Gedichten und Konzepten musikalische Gestalt zu verleihen, war sich Deutsch bewusst, dass dies den größtmöglichen Einsatz der ihm zur Verfügung stehenden Kräfte erforderte. Da Goethe nicht aus einer individuellen Perspektive spricht, sondern zur Menschheit als Ganzes, ist die Partitur für den Chor als kollektiven Protagonisten konzipiert, ohne Solisten.

Die Instrumentierung ist entsprechend opulent. Kontrafagott, Bassklarinette und andere tiefe Holzblasinstrumente, verstärkt durch Blechbläser und tiefe Streicher, bilden das unterirdische Fundament von Deutschs Klangwelt, während Piccoloflöte, hohe Holzblasinstrumente, geteilte Streicher und funkelnde Perkussion bis in die Stratosphäre reichen. Dieser enorme Umfang verleiht eine räumliche Dimension, die den kosmischen Maßstab von Goethes Vision widerspiegelt.

An verschiedenen Stellen dieser ambitionierten Partitur erinnern die gewaltigen Chor- und Orchesterklänge an die Klangtexturen von Schönbergs „Gurre-Lieder“, während hämmernde Ostinati und karge harmonische Wiederholungen einen Strawinsky-artigen Charakter aufweisen. Doch Deutsch bricht diese Vorbilder in eine ganz eigene Sprache – mal verspielt, mal streng, mal leuchtend.

In der einleitenden Präludienpassage wird ein dichter, grüblerischer Akkord im tiefsten und dunkelsten Register gehalten und bringt das Werk mit einem dichten Klangcluster in Gang, der aus einer uralten Quelle heraufzudonnern scheint. Daraus entsteht ein vom Kontrafagott vorgetragenes Motiv, das den gesamten ersten Satz durchzieht, während die grüblerische, kosmogonische Klangfülle, die die „Urworte“ einleitet, ganz am Ende wiederkehrt und das gesamte Werk in einen großen Bogen schließt.

Dies legt den Grundstein für den „Daimon“-Satz. Sowohl für Goethe als auch für die alten Griechen hatte der Begriff „Daimon“ keine teuflische Konnotation. Er bezieht sich auf eine neutrale Kraft oder einen leitenden Geist, „der die Menschen antreibt“, so Deutsch, und „steht für Charakter, Talent, jene innere Essenz oder jenes Charisma, das schwer fassbar und doch greifbar präsent ist“. Aber es umfasst auch die schöpferische Kraft, die Künstler einzigartig macht, fügt „Deutsch“ hinzu und wurde von den Römern als „genius“ übersetzt.

Der Chor setzt nicht mit einer Melodie ein, sondern mit engen, schwebenden Harmonien, die eine fast rituelle Atmosphäre schaffen. Mal deklamiert er Goethes Worte in massiver, blockartiger Klangfülle; mal löst sich die Komposition in schimmernde Melismen, geflüsterte Konsonanten oder sogar gesprochene Rufe auf. An einer bestimmten Stelle in jedem Satz spricht der Chor sein Urwort ausdrücklich aus, als wolle er Goethes Aphorismen klanglich besiegeln.

„Tyche“ hingegen ist sprunghaft und scherzoartig, die Musik schießt in unvorhersehbare Richtungen: plötzliche Chorrufe, flackernde Orchesterfarben, unruhige Perkussion, die rasselt und kratzt wie der Zufall selbst. Die Textur wirkt unbeständig, instabil, bereit, vom Kurs abzukommen. Der Chor greift den letzten Vers der Strophe auf – „Die Lampe harrt der Flamme, die entzündet“ – und wiederholt ihn ekstatisch, wobei er das Bild zu einem Klangfeuer entfacht. „Keine andere Phrase wird so oft wiederholt und musikalisch so häufig beleuchtet“, so der Komponist.

Die Flamme offenbart sich als Eros, der mit den Klängen eines langen Flötensolos beginnt, dessen Stimme umherirrt und sucht. „Goethe sagt, dass Eros aus dem Chaos, der Leere, der Einsamkeit entsteht“, bemerkt Deutsch, was die Vorstellung des Dichters von Eros als „sowohl Liebe als auch schöpferische Energie“ widerspiegelt.

Wo Eros sich nach außen öffnete, schließt sich Ananke ein. Die Musik pocht mit motorischen Rhythmen und kreist obsessiv um denselben harmonischen Raum, während Deutsch die Verengung der Möglichkeiten in einer klaustrophobischen Klangwelt andeutet, die keine Erlösung zulässt. Goethes Zeile, dass Ananke bewirken kann, „der Geliebteste werde aus dem Herzen verbannt“, hallt in den unerbittlichen Klangtexturen wider.

„Elpis“ beginnt in Helligkeit: hohe Streicher schimmern, Harfen glitzern, zarte Perkussionsklänge rascheln wie ferne Glocken oder wie der rauschende Wind. Der Chor schwebt in weitläufigen Melismen empor, bevor er in gedämpfte, langgezogene Akkorde abklingt. Goethes letztes Bild ist der Flügelschlag, der Äonen überspannt und das menschliche Leben in einen kosmischen Rahmen einordnet. Deutschs Musik wird entsprechend weitläufig, elementar – und bleibt letztlich ungelöst.

„Es ist eher ein Fragezeichen am Ende“, bemerkte er. „Ich gebe keine Antwort.“

Über das Cleveland Orchestra

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^{The Cleveland Orchestra und Chor während der Aufnahmen, 2025. Foto: Julian Dubé}

Das Cleveland Orchestra, das seit 2002 unter der Leitung von Franz Welser-Möst steht, gilt weithin als eines der weltweit führenden Ensembles. Von der „New York Times“ als „America’s Finest“ gepriesen, ist das Orchester bekannt für seine Virtuosität, seinen eleganten Klang und seine kammermusikalische Flexibilität. In seiner 25. und in der letzten Saison als Musikdirektor schließt Welser-Möst eine wegweisende Partnerschaft ab, die von außergewöhnlichem künstlerischem Ehrgeiz, wachsender internationaler Anerkennung und einer tiefen Verbundenheit mit der Gemeinschaft geprägt ist.

Während seiner Amtszeit hat das Orchester bedeutende institutionelle Meilensteine erreicht, darunter bahnbrechende Residenzen im Wiener Musikverein – die erste eines amerikanischen Orchesters – sowie im Adrienne Arsht Center in Miami. Im Jahr 2023 rief das Cleveland Orchestra das jährliche „Jack, Joseph and Morton Mandel Opera & Humanities Festival“ ins Leben, bei dem gefeierte Opernproduktionen neben Kunstausstellungen, Gemeinschaftsveranstaltungen und gesellschaftlichen Diskussionen präsentiert werden.

Durch Konzerte, Rundfunkübertragungen, Aufnahmen, Tourneen und digitale Initiativen erreicht das Cleveland Orchestra ein weltweit stetig wachsendes Publikum. Sein hauseigenes Plattenlabel und seine Streaming-Plattform „Adella.live“ bewahren die Aufführungen aus der Ära Welser-Möst und machen sie zugänglich, während sie zugleich neuen Generationen von Fans die Kunst des Orchesters näherbringen.

Das von Adella Prentiss Hughes gegründete Cleveland Orchestra gab sein Eröffnungskonzert im Dezember 1918. Im Laufe von mehr als einem Jahrhundert hat es sich zu einer geschätzten Institution der Gemeinschaft entwickelt, die das Leben durch Musik, Bildung und ein tiefes Engagement für den Nordosten Ohios bereichert. Jährlich besuchen mehr als 400.000 Menschen die Konzerte des Cleveland Orchestra. Vom ganzjährigen Sitz im Severance Music Center bis hin zur Sommersaison im Blossom Music Center im Cuyahoga Valley National Park steht das Orchester weiterhin im Dienst des Publikums in der gesamten Region.

Sieben Musikdirektoren – Nikolai Sokoloff, Artur Rodziński, Erich Leinsdorf, George Szell, Lorin Maazel, Christoph von Dohnányi und Franz Welser-Möst – haben die unverwechselbare musikalische Identität des Ensembles und den berühmten „Cleveland-Sound“ geprägt. Welser-Mösts Amtszeit als dienstältester Musikdirektor in der Geschichte des Cleveland Orchestra stellt ein prägendes Kapitel dieser Entwicklung dar.